Una nuova fase di sviluppo e valorizzazione si apre per la Accademia Nazionale di San Luca, che annuncia l’avvio di una collaborazione strategica con Opera Laboratori, realtà di riferimento nella gestione e promozione del patrimonio culturale.

A partire da aprile, il progetto punta a rafforzare la presenza dell’Accademia nel panorama nazionale e internazionale, attraverso una serie di interventi mirati. Tra le principali novità figurano il potenziamento della visibilità sui canali digitali, l’attivazione di sinergie con agenzie e tour operator e la creazione di un centro prenotazioni dedicato.

Parallelamente, verranno introdotti nuovi strumenti di orientamento e informazione per migliorare l’esperienza dei visitatori, dalla segnaletica ai materiali divulgativi. L’obiettivo è accompagnare il pubblico alla scoperta di un’istituzione di rilievo internazionale, valorizzandone la storia, le collezioni e il ruolo centrale nella promozione delle arti e dell’architettura, oltre al patrimonio documentario custodito negli archivi e nella biblioteca.

L’esperienza di visita sarà ulteriormente arricchita grazie a percorsi dedicati, supporti multimediali e applicazioni per dispositivi mobili, con contenuti sia sul patrimonio permanente sia sulle mostre temporanee. Nell’ambito di questo rinnovamento, sarà introdotto anche un biglietto d’ingresso al costo di 5 euro, destinato a sostenere le attività di tutela, valorizzazione e programmazione culturale.

Fondata nel XVI secolo, l’Accademia Nazionale di San Luca continua a rappresentare un punto di riferimento per la promozione delle arti visive, grazie a un’intensa attività espositiva e a iniziative di ricerca. La sua collezione, ampia e stratificata, attraversa secoli di storia artistica e comprende opere di maestri come Gian Lorenzo Bernini, Raffaello Sanzio, Guido Reni, accanto ai lavori di Antonio Canova e Carlo Maratta.

Dipinti, bozzetti, studi preparatori, ritratti accademici e sculture di grande valore storico e artistico compongono un patrimonio che non solo custodisce la memoria dell’istituzione, ma continua a dialogare con il presente, offrendo al pubblico un percorso capace di intrecciare tradizione e contemporaneità.

La Strati d’Arte Gallery di Roma, ospita fino 3 aprile 2026 “WEIGHTLESS”, prima mostra personale dell’artista Adele Dezi, a cura di Diana Daneluz. L’esordio ufficiale della giovane pittrice ha registrato un’ottima partecipazione di pubblico già in occasione dell’inaugurazione di sabato 21 marzo, che ha visto la presenza di numerosi esponenti della scena artistica romana, tra artisti, fotografi e musicisti, accorsi per conoscere e sostenere il suo lavoro.

Un titolo che è metodo e dichiarazione d’intentin“Weightless”, ovvero “senza peso”, racchiude il nucleo della ricerca di Adele Dezi: una leggerezza che si manifesta nelle figure sottili e sospese, così come nella fluidità dei corpi più pieni. È la stessa leggerezza che l’artista sperimenta affidando al gesto pittorico emozioni e contenuti difficili da elaborare. L’opera, una volta compiuta, diventa strumento di comprensione più efficace del pensiero stesso, consentendo di riconoscere e approfondire il vissuto emotivo. La pittura si configura così come metodo di conoscenza, forma di esistenza e mezzo per trasformare l’esperienza in immagine. Allo stesso tempo, “Weightless” si propone anche come promemoria: dare il giusto peso a ciò che conta davvero, alleggerendo il superfluo.

Il corpo come linguaggio e soglia simbolica

Come sottolinea la curatrice Diana Daneluz nel testo in catalogo, la mostra segna un passaggio importante nel percorso dell’artista, già presente in precedenti esposizioni collettive. Il progetto pone al centro il corpo, inteso come linguaggio primario e spazio di trasformazione. Le opere selezionate sviluppano una ricerca essenziale e simbolica, in dialogo con una dimensione arcaica del gesto pittorico e con la sensibilità contemporanea.

Sulle tele — così come su supporti realizzati anche attraverso il riuso di materiali quotidiani — emergono figure umane prive di identità individuale, immerse in campiture cromatiche intense, spesso dominate dal rosso. I corpi, ridotti all’essenza del movimento o fissati in una tensione sospesa tra dinamismo e immobilità meditativa, evocano una dimensione collettiva e atemporale. Il segno e il colore diventano strumenti di evocazione più che di rappresentazione, aprendo una riflessione sul corpo come punto d’incontro tra individuo, memoria e simbolo.

In questa prospettiva, il lavoro di Dezi indaga anche una condizione contemporanea: lo smarrimento dello “sguardo”, inteso come capacità di relazione consapevole con il mondo, concetto evocato dalla scrittrice Amélie Nothomb nel suo Metafisica dei tubi. Ne emerge l’immagine di un’umanità talvolta impermeabile a ciò che la circonda, sospesa in una sorta di stallo percettivo.

“Ninfe di Primavera” e la lettura critica

La dimensione simbolica della ricerca è al centro anche del contributo dello storico e critico d’arte Francesco Gallo Mazzeo, autore del testo “Ninfe di Primavera”, disponibile in galleria. Il critico richiama due immagini emblematiche — la Ninfa di Primavera di Lucas Cranach il Giovane e il ritratto di Isabelle Caro realizzato da Oliviero Toscani — per individuare nei corpi filiformi dell’artista una dimensione che supera la materia: non carne né spirito, ma un “distillato immaginario”, una vibrazione quasi astratta che si fa immagine. Le figure diventano frammenti di universo e la pittura si trasforma in un testo carico di tensione emotiva e riflessione, in cui pensiero e immaginazione si intrecciano in una visione unitaria.

Una galleria attenta al contemporaneo

La Strati d’Arte Gallery prosegue così il suo impegno nella valorizzazione dell’arte contemporanea, sostenendo anche le voci emergenti attraverso progetti capaci di dialogare con pubblici diversi e di intercettare nuove sensibilità. La mostra è realizzata con il supporto della società Indoor Rowing S.r.l., attiva da oltre venticinque anni nella promozione dello sport accessibile e inclusivo.

L’artista

Adele Dezi (1996), artista e attrice italo-inglese, vive e lavora a Castelnuovo di Porto. Dopo la maturità classica, si forma alla Scuola Internazionale di Comics e al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, intrecciando arti visive e performative in un percorso articolato. Pittura e recitazione condividono per lei la stessa urgenza espressiva: dare forma all’invisibile e restituire emozioni. Tra tela e set, Dezi esplora la vulnerabilità e la fragilità dell’esistenza, trasformando il disagio in possibilità estetica, in un dialogo continuo tra corpo e segno.

La curatrice

Diana Daneluz, giornalista e comunicatrice, è socia professionista FERPI. Dopo un’esperienza nell’editoria e nelle media relations, si è avvicinata al mondo dell’arte contemporanea lavorando come addetta stampa per artisti e istituzioni, per poi dedicarsi anche alla curatela, dove unisce competenza narrativa, visione estetica e relazioni professionali.

Biografia

Adele Dezi (1996) è un’artista e attrice italo-anglosassone. Vive e lavora a Castelnuovo di Porto, dove è nata, in provincia di Roma. Ha trascorso gli anni dell’adolescenza a Roma con la famiglia, per poi fare ritorno stabilmente al paese laziale dopo il diploma liceale. Conseguita la Maturità classica, frequenta la Scuola Internazionale di Comics e successivamente completa il triennio di recitazione al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, intrecciando così le arti visive e performative in un percorso formativo unico, ricco e stratificato. Entrambe le discipline condividono la stessa urgenza: dare forma a quello che ancora non c’è, incarnare e restituire emozioni. 

Sia il set che la tela in senso lato, le consentono di esplorare la vulnerabilità umana, la fragilità dell’esistere, la necessità di liberare spazi, fisici o simbolici, dove l’eventuale disagio possa trasformarsi in bellezza. Adele abita quindi contemporaneamente due dimensioni creative, quella dell’arte visiva e quella della recitazione, come pratiche che si alimentano reciprocamente, generando un dialogo continuo tra corpo e segno, presenza scenica e traccia grafica

Per Adele, il disegno non è una mera questione tecnica, ma un linguaggio privilegiato, un’esigenza espressiva vitale, qualcosa che le permette di tradurre e metabolizzare la realtà. È una finestra sul mondo interiore, anche quando troppo fragile e sfuggente per essere verbalizzato. Attraverso il gesto del disegnare, esperienze ed emozioni vengono immobilizzate sulla superficie, dove possono essere osservate da una distanza sicura, analizzate e, infine, se serve, esorcizzate. 

La sua vocazione artistica nasce dalla consapevolezza della distanza tra la percezione di un oggetto e il segno tracciato sulla carta, quello scarto necessario a catturarne l’essenza. La sua pratica artistica si nutre invece di materiali di recupero: retro di casse di arance abbandonate nei mercati, scarti di scenografia, legni di falegnameria, frammenti di vecchi mobili, ferro scartato dai macchinisti sul set, anche, per le sue piccole sculture in fil di ferro. 

Questi supporti comuni e dimenticati diventano lo spazio fisico e simbolico in cui fissare ciò che ha da dire. I suoi personaggi senza volto abitano atmosfere sospese, indefinite, evocative, figure che incarnano un disagio intimo, ma universale, ora lasciato alle spalle. Il desiderio di Adele quando ha iniziato a dipingere è stato forse quello è dare forma visibile a un malessere profondamente personale che, per poter essere riconosciuto ed esistere pienamente, aveva bisogno di appellarsi alla collettività. 

La sua arte diventava così un ponte tra l’individuale e il collettivo, tra il silenzio interiore e la condivisione pubblica. Oggi quei soggetti, quelle figure sospese, la rappresentano ancora, ma nel senso di un ritrovato, anche se sempre precario, come per tutti, equilibrio.

NINFE DI PRIMAVERA 

Il noto critico d arte Francesco Gallo Mazzeo e la sua dedica :

Due immagini negli occhi della memoria, Lucas Cranach il giovane, la sua Ninfa di Primavera, aggiunto a Oliviero Toscani, la sua Isabelle Caro Rosei. Un dipinto, una fotografia. Due opere che incarnano l’ideale filiforme, l’opposto della corpulenza di corpi di Rubens oppure di Botero. Anoressia. Bulimia. Gli estremi. Qui vige il filiforme, che non è corpo, non è anima, ma è frutto di un distillato immaginario, d’un rasente d’astratto, fatto di sottrazione corporale, quasi stringa di un’armonia che abita lontano, nell’ondularità spaziale, che entrano nella mente e diventano immagini, frazioni di mondo, d’universo, d’amore. Si diffonde un odore analitico, asciutto, denso di plasticità, fatto di sensualità implosa, partecipata di una coralità casta, la cui forza danzante è la ricerca di una insula felice, dove il nuovo del giorno si possa mischiare con l’astrale luce dell’ombra. Quello che rimane, è un grande senso di Eco che fugge Narciso, rimbalzando di qua e di là, ora nel candido ora nel torbido. Pittura, sì, ma testo sofferto, di un inchino all’eterna sincronia, che è pensiero, immaginario, perché tutto è, Velo di Maya. 

 Per Adele Dezi – Marzo 2026    

©1998 by Kate Rothko Prizel and Christopher Rothko

Dal 14 marzo al 23 agosto 2026, la Fondazione Palazzo Strozzi presenta una delle più importanti mostre mai dedicate a Mark Rothko (1903-1970), indiscusso maestro dell’arte moderna. A cura di Christopher Rothko ed Elena Geuna, Rothko a Firenze rappresenta un progetto unico, concepito appositamente per Palazzo Strozzi, per celebrare il legame speciale tra l’artista e Firenze. L’architettura del palazzo e la città stessa sono lo scenario ideale per esplorare come Rothko traduca in pittura la tensione tra misura classica e libertà espressiva, dando vita attraverso il colore a una nuova percezione dello spazio che oltrepassa la bidimensionalità della tela.

Al termine della mostra dedicata al Beato Angelico, il Museo di San Marco ha intrapreso un'importante fase di trasformazione che ha portato non solo al riallestimento della Sala dell'Angelico, ma a una generale riqualificazione dell'intero percorso di visita.

Il pubblico che visiterà il museo in occasione della nuova mostra dedicata a Rothko troverà un ambiente profondamente migliorato, capace di far dialogare le novità scientifiche con una fruizione più agevole e moderna. La direzione del museo ha infatti lavorato per tradurre nel nuovo allestimento tutte le
acquisizioni storiche e le precisazioni cronologiche emerse dai recenti studi, offrendo una disposizione delle opere più coerente e una lettura dei capolavori più immediata. Un esempio emblematico è la scelta di esporre l’Armadio degli Argenti senza la cornice di primo novecento, permettendone così una migliore lettura e fruizione. Il rinnovamento della Sala dell’Angelico - che conta ben 33 tavole del celebre frate pittore, rendendola la più grande e importante raccolta al mondo di opere su tavola dell'artista - include inoltre dipinti
mai esposti al pubblico prima della recente mostra dedicata all’Angelico, come il Trittico francescano della Compagnia di San Francesco in Santa Croce, ricomposto nella sua interezza dopo il magistrale restauro dell’Opificio delle Pietre Dure, accanto alla croce sagomata restituita alla produzione giovanile del maestro. Oltre alla rinnovata veste espositiva, il museo si presenta oggi più inclusivo grazie agli interventi finanziati dal PNRR per l’abbattimento delle barriere fisiche e cognitive: nuove rampe di accesso, servizi igienici rinnovati e una segnaletica dedicata in corso di realizzazione permetteranno una visita semplice e agevole per tutti.

Questo impegno verso il pubblico si completa con la nuova offerta dei Servizi Educativi che, con attività studiate per adulti, famiglie e scuole, accompagneranno i visitatori alla scoperta dei capolavori del museo per tutta la durata dell'esposizione temporanea, garantendo un'esperienza di visita ricca, accessibile e profondamente rinnovata

In questo contesto si inserisce il nucleo di opere di Mark Rothko provenienti da importanti collezioni internazionali. Cinque opere di piccolo formato realizzate con tecniche diverse e appartenenti a periodi differenti, saranno in dialogo diretto con cinque degli affreschi delle celle 1, 3, 4, 6, 7 che tanto lo avevano ispirato. Le scelte sono state guidate da affinità di colore, di materia e soprattutto di spirito.

Il percorso di visita della sezione speciale al Museo di San Marco prende avvio dalla Cella
1, dove si trova l’affresco del Noli me tangere, che raffigura l’incontro tra Cristo risorto e Maria Maddalena nel giardino della Resurrezione. Le parole rivolte da Cristo alla Maddalena segnano un momento di passaggio tra la dimensione terrena e quella spirituale e invitano alla contemplazione del mistero della Resurrezione; in dialogo con questo affresco sarà presentata l’opera di Mark Rothko [Untitled] (1958), concessa in prestito dalla Collection of Christopher Rothko.

Si prosegue poi nella Cella 3, decorata con l’Annunciazione con san Pietro martire, dove l’incontro tra l’angelo Gabriele e la Vergine Maria segna l’inizio della storia della salvezza mentre la presenza del santo domenicano rimanda alla dimensione spirituale della comunità del convento; Untitled (1954) di Mark Rothko, proveniente da collezione privata, sarà invece esposto in questo ambiente. Il percorso continua nella Cella 4, dove è raffigurata la Crocifissione alla presenza di san Domenico e san Girolamo, scena che pone al centro il sacrificio di Cristo accompagnato dalla meditazione dei due santi e invita lo spettatore alla contemplazione del mistero della Passione; qui troverà spazio l’opera di Rothko [Untitled] (1958), concessa dalla Collection of Kate Rothko Prizel and Ilya Prizel.

Si giunge quindi alla Cella 6, decorata con la Trasfigurazione, rappresentata alla presenza degli apostoli Pietro, Giacomo e Giovanni, dei profeti Mosè ed Elia e delle figure della Madonna e di san Domenico, episodio che allude alla rivelazione della natura divina di Cristo e alla manifestazione della luce della gloria; a questo affresco sarà accostata l’opera di Mark
Rothko Gethsemane (Getsemani) (1944), proveniente dalla Collection of Kate Rothko Prizel and Ilya Prizel.

Il percorso si conclude infine nella Cella 7, dove è affrescato il Cristo deriso, rappresentato alla presenza della Vergine e di san Domenico e legato alla meditazione sulla sofferenza e sull’umiliazione di Cristo durante la Passione; in questo spazio sarà esposta l’opera di Mark
Rothko No. 21 [Untitled] (1947), concessa dalla Collection of Christopher Rothko.

Fonte Uff.St. A.Acampa

Direzione regionale Musei nazionali Toscana