Arte

Martina Corgnati, Storica d’arte e Curatrice, docente di Storia dell’arte presso la famosa Accademia di Brera (Milano) ha recentemente pubblicato il suo libro “MERET OPPENHEIM Afferrare la vita per la coda” edito da Johan & Levi. Un’interessante biografia, risultato di un intenso lavoro di capillare ricerca sull’archivio epistolare di Meret Oppenheim, artista dall’irrefrenabile creatività, considerata una fra le più eclettiche del novecento, nata a Charlottenburg - Berlino il 6 ottobre 1913 e scomparsa a Basilea il 15 novembre 1985.

Una donna straordinariamente bella, dal profilo perfetto, paragonabile a quello delle statue classiche, che divenne ben presto l’icona del fotografo Man Ray. Giovanissima, esordisce con l’opera “Colazione in pelliccia”, che le apre le porte del Moma di New York. Seguiranno incontri determinanti con alcuni fra i maggiori esponenti dell’arte e della cultura dell’epoca, che imprimeranno un segno indelebile sul suo percorso umano ed artistico.

Questo bellissimo libro, fitto di citazioni e rimandi, ripercorre i momenti salienti della sua vita, sia privata che artistica, come mai nessun autore aveva finora pensato di fare. Attraverso la corrispondenza di Meret si entra in un crescendo sempre più avvolgente ed intimo con l’artista ed affiorano vicende private, relazioni affettive e il suo originale modo di interpretare l’arte, fino a scorgere i lati ascosi della sua forte personalità, che si contrappongono ad un’animo fragile ed estremamente sensibile.

Le immagini tratte dall’album di famiglia e le fotografie di alcune sue più rappresentative opere, accompagnano il lettore in un viaggio alla scoperta di una donna dalla grande vocazione artistica ed esistenziale che, per affermare le proprie idee, dovette affrontare non pochi ostacoli.

In questi giorni ho avuto il piacere di intervistare Martina Corgnati, alla quale ho rivolto alcune domande in merito a questa sua splendida opera letteraria.

Recentemente lei ha presentato alla stampa il libro “MERET OPPENHEIM Afferrare la vita per la coda” (Johan & Levi Editore), un’accurata ed avvincente biografia di un’artista poliedrica, che ha saputo interpretare l’arte, nelle sue policrome espressioni, con grande talento ed originalità. Cosa l’ha spinta ad entrare nell’animo di Meret Oppenheim?

La biografia è stata pubblicata nel 2014 – lavoro sulla Oppenheim dagli anni novanta; nel 1998 ho curato l’ultima grande retrospettiva italiana, al palazzo delle stelline di Milano; poi ne ho scritto più volte e nel 2013 ho co-curato, insieme a Lisa Wenger, l’edizione della corrispondenza (Scheidegerr & Spiess Zurigo). La Oppenheim è una delle artiste donne più importanti del novecento, protagonista del surrealismo e interprete di un linguaggio che dal moderno scivola nel contemporaneo. Non so se sono entrata nel suo animo ma certo lei è entrata nel mio.

All’artista tedesca, ma svizzera d’adozione, considerata una fra le più significative del Novecento, negli anni sono stati dedicati vari cataloghi d’arte, anche se finora nessuna pubblicazione si era mai addentrata nel suo privato, dal quale emergono sensibilità, umane fragilità ed un raro afflato poetico di una donna con una forte connotazione caratteriale. Quanto le sono stati di ausilio, nella realizzazione della sua singolare ed affascinante opera, i contenuti epistolari della Oppenheim?

Le lettere sono state fondamentali. Senza lo studio approfondito della corrispondenza che ho avuto occasione di fare, non avrei mai potuto scrivere la prima biografia analitica, approvata dalla famiglia e dalla fondazione “Meret Oppenheim”. In vita, infatti, l’artista non aveva voluto che una ricognizione così approfondita sul suo privato venisse effettuata; l’aveva permessa solo dopo 20 anni dalla sua morte e quel momento è arrivato…

Sempre in merito alla sua corrispondenza lei nel 2013, in collaborazione con Lisa Wenger, nipote della grande artista, ha realizzato la minuziosa raccolta di lettere e documenti privati “Meret Oppenheim. Worte nicht in giftige Buchstaben einwickeln”, che tradotto letteralmente significa: “Parole non avvolte in lettere velenose”. Come è nata in lei questa idea?

Lisa Wenger, a cui sono legata da uno stretto rapporto di amicizia e collaborazione, ha trascorso anni a trascrivere lettere e materiali inerenti al lascito testamentario di Meret Oppenheim, che era rimasto inedito. Mi ha chiesto di aiutarla a dare forma scientifica e ad organizzare, anche cronologicamente, queste migliaia di fogli. Lavorandoci sopra abbiamo fatto innumerevoli scoperte, grandi e piccole, ma comunque tali da dare nuove sfumature a non pochi passaggi della storia dell’arte del Novecento. Era un dovere storico dare alle stampe questi materiali preziosissimi e straordinari, cosa che l’editore ha perfettamente e generosamente capito.

Secondo lei, fu determinante per la carriera dell’artista l’incontro a Parigi con Alberto Giacometti, grazie al quale si unì ai surrealisti ed espose le sue opere, veri oggetti di culto per gli appartenenti al movimento, al “Salon des superindépendants”?

Sì, fu decisivo; intanto perché Giacometti fu il primo grandissimo artista che Meret incontrò a Parigi in un’età ancora molto acerba; grazie a lui, potè sentirsi libera di sperimentare su vari materiali e attraverso diverse forme le valenze eclettiche, metamorfiche e in fondo fragili della sua “Bildung”. Ci sono opere, come Testa di annegato; terzo stato, oppure il più tardo Sole, luna e stelle che testimoniano di un dialogo interno fra i due, fervido e fittissimo. Credo che insieme a Marcel Duchamp, Giacometti sia stato l’artista e l’amico in assoluto più importante per Meret.

Come può definire il rapporto della Oppenheim con il poeta, saggista e critico d’arte francese André Breton, autore del “Manifeste du surréalisme” (Primo Manifesto del Surrealismo), che trovò in lei un’amica intelligente, ricca di fascino e profondamente libera?

Breton all’inizio intimoriva Meret, come tutte le altre donne che avevano e avrebbero fatto parte del gruppo; però, contrariamente ad altre, lei non se ne fece né influenzare né dominare. A tratti, più tardi, non esitò a manifestargli apertamente il suo dissenso su questioni anche spinose, come l’espulsione di Max Ernst dal movimento. Ma è sicuro che la stima di Breton fu importante per Meret: Colazione in pelliccia fu apprezzata e valorizzata da lui prima che da ogni altro.

L’avvicinamento alle teorie psicoanalitiche di Carl Gustav Jung influirono sul suo modo di pensare?

Assolutamente sì; e di fare arte. Meret soffrì lungamente di una depressione a tratti molto acuta e paralizzante. La lettura e l’approfondimento dei lavori di Jung l’aiutarono moltissimo a uscirne e a trovare una sua personalissima strada, nell’arte e anche nella vita.

Meret, notoriamente desiderosa di affermare la sua creatività in totale libertà, al di fuori di schemi omologati, con quali e quante difficoltà ha affrontato il suo percorso artistico, in un’epoca ancora fortemente dominata dai pregiudizi di un tessuto sociale benpensante, ai limiti dell’ipocrisia e da evidenti discriminazioni, che persino gli artisti d’avanguardia riservavano alle donne?

Moltissime difficoltà, soprattutto da giovane, negli anni trenta – lei stessa ne ha parlato tanto, riservando all’argomento lo splendido discorso tenuto in occasione del conferimento dell’importante “Premio d’arte della città di Basilea” nel 1975.

L’artista, da molti considerata un’icona del movimento surrealista, per affermare la sua originalità stilistica, secondo alcune fonti, nel 1937 uscì dal movimento. Nonostante la necessità di esporre le sue opere, lei non rinunciò mai alle sue idee, operando ardue scelte, anche a costo di suscitare inevitabili polemiche. Questo generò alcune difficoltà economiche. Come le affrontò?

Non è uscita dal movimento, non solo nel 1937, ma mai formalmente. Semplicemente, è tornata in Svizzera poichè non aveva più i soldi per restare a Parigi, per colpa dei pregiudizi razziali che avevano colpito la sua famiglia. Suo padre Erich Alphons Oppenheim non era ebreo, ma portava un nome ebraico e questo per i nazisti era sufficiente; in Svizzera non poteva più esercitare la sua professione di medico e quindi supportare la figlia a Parigi. Non si è ritirata per un dissenso con i surrealisti, ma per questa ragione economica ed anche perché era diventata insicura a causa della depressione e sentiva l’esigenza di tornare ad approfondire le basi tecniche del mestiere d’artista alla Gewerbeschule di Basilea (scuola d’arti e mestieri).

Meret Oppenheim concepiva la vita come un’opera d’arte, al punto da sostenere che l’arte è inseparabile dalla vita quotidiana. Come esprimeva questa sua personale visione della vita, secondo lei sospesa in una commistione tra forza e dolcezza?

L’ha espressa attraverso le sue opere e i suoi atti, le sue scelte sempre libere e la sua resistenza ai compromessi. È moltissimo, secondo me.

Qual è stata la sua posizione nei confronti dell’allora nascente movimento femminista, che si rapportò a lei come al precursore dell’emancipazione femminile, sia nell’arte, che nella vita?

È stata molto difficile. Meret non era femminista nel senso classico, in quanto riteneva che la creatività fosse androgina e che in ogni essere vivente ci fosse una componente dominante (femminile nella donna) e una recessiva (maschile nella donna). Questo concetto è profondamente junghiano. Le femministe esaltavano l’arte delle donne in quanto tale, mentre per Meret questo finiva per tradursi in un insopportabile, fuorviante ghetto.

Le sue opere rimandano a forti richiami simbolici, molto spesso riconducibili all’aspetto onirico della vita, che si riflette anche sulla sua esperienza personale. A tal proposito mi viene in mente il sogno che lei fece in occasione del suo trentaseiesimo compleanno, al quale attribuì un significato profetico, al punto di redigere nel 1984 un testamento curato nei minimi particolari. Vorrebbe parlarmi di questa visione onirica che, in qualche modo, influenzò metà della sua vita?

Meret guardava ai sogni come a fari che illuminano la notte, sentinelle sensibili protese tanto sul mondo interiore, quanto su quello esteriore. Spesso si era lasciata guidare dai suoi sogni e ne aveva fatto il presupposto di molte sue opere d’arte, per esempio Sogno a Barcellona ma anche il fondamentale Segreto della vegetazione. Il sogno del santo con la clessidra è uno dei molti. Peraltro, non solo Meret ha redatto il testamento, ma è morta proprio quando aveva previsto di morire. Resta il mistero affascinante della cosa….

BIOGRAFIA DI MARTINA CORGNATI:

Martina Corgnati è nata a Torino; ha due lauree, in Lettere moderne e in Storia all’Università Statale di Milano.

Storica dell’Arte e Curatrice, è docente di Storia dell’arte presso l’Accademia di Brera di Milano.

Si è occupata di arte femminile e arte moderna e contemporanea del Mediterraneo e Vicino Oriente. Tra le sue pubblicazioni “Artiste. Dall’Impressionismo al nuovo millennio” (2004), “L’opera replicante. La strategia dei simulacri nell’arte contemporanea (2009), “I quadri che ci guardano. Opere in dialogo” (2011).

Prima di scriverne la biografia, ha lavorato intensamente sulla figura di Meret Oppenheim, della quale ha curato la prima retrospettiva italiana, dopo la morte dell’artista, al Palazzo delle Stelline di Milano (1998-99) e, assieme a Lisa Wenger, nipote dell’artista, la raccolta di lettere e documenti privati “Meret Oppenheim. Worte nicht in giftige Buchstaben einwickeln” (2013).

In questi giorni, fra le sontuose mura del “Museo Gipsoteca di Canova” di Possagno (Treviso) si è svolto, con grande successo, il vernissage di un importante appuntamento artistico di grande richiamo, organizzato da “Spoleto Arte”, che vede esporre numerosi artisti di consolidata fama, in un’imponente mostra collettiva.

Fra gli spazi espositivi di questa scenografica cornice, dal 9 maggio al 2 giugno 2015, si svolgerà questo prestigioso viaggio d’impronta cosmopolita attraverso l’arte, con ingresso libero, attraverso il quale è possibile ammirare le opere di una selezionata lista di artisti contemporanei, fra i quali la pittrice di origine russo-uzbeca Aida.

Un esclusivo evento di portata internazionale, organizzato dal manager della cultura Salvo Nugnes, presidente dell’Associazione “Spoleto Arte”, che ha visto ospite d’eccezione il critico d’arte Prof. Vittorio Sgarbi il quale, con ineccepibile competenza in materia, grazie ai suoi autorevoli e preziosi interventi, ha animato e reso ancor più coinvolgente la serata di inaugurazione.

Interessante la visita guidata all’interno del Museo, nel corso della quale il Prof. Sgarbi ha sapientemente illustrato le incantevoli sculture del famoso Maestro neoclassico Antonio Canova, affascinando gli ospiti presenti.

La pittrice Aida, già inserita nel parterre di artisti in esposizione nell’ambito delle grandi mostre di “Spoleto Arte”, con le sue creazioni artistiche, è considerata una fra gli artisti di spicco presenti in questa mostra espositiva in collettiva. Attraverso il suo stile, che riflette il contemporaneo, l’artista dialoga con lo spettatore in modo sinergico ed immediato avvalendosi di colori vivaci, decisi che intendono rappresentare il suo stato emotivo.

Protagonista per eccellenza delle sue opere è la donna, alla quale l’artista conferisce in modo efficace una femminilità spiccata, unita ad una forte personalità: entrambe caratteristiche che appartengono al suo modo di essere. L’immagine femminile che ci propone è delicata, intrisa di sensualità e fascino, all’interno dei quali si percepisce un significativo coinvolgimento della sfera emozionale.

La sua fonte d’ispirazione è sicuramente l’Impressionismo e l’utilizzo di colori cangianti, carichi di luce, rimanda efficacemente a chiari riferimenti simbolici, oltre a conferire una spiccata vitalità all’immagine rappresentata.

Il risultato è un impatto di notevole intensità e lo spettatore non può che rimanere affascinato ed avvolto da questa atmosfera magica, carica di suggestioni, con in più la curiosità di andar oltre all’immagine stessa, in cerca di nuove emozioni.

Sempre con grande raffinatezza, offre spunti in grado di far conoscere al suo pubblico i profondi tumulti dell’animo, dando voce alla sua interiorità, attraverso un’analisi introspettiva.

L’emozione visiva entra in stretto contatto con l’istinto, prescindendo dall’aspetto razionale, per entrare in una commistione fra realtà e fantasia, che si intercalano vicendevolmente.

Aida ha compiuto gli studi nella sua Terra d’origine, fino al conseguimento della laurea in Lettere e Scienze Culturali. Nel 1998 si trasferisce in Italia, un Paese che ama moltissimo, e frequenta la vecchia scuola di ceramica di Gualdo Tadino (Perugia), dove entra in contatto con grandi artisti, come Fulberto Frillici, Nedo da Gualdo, Angelo Carini.

L’incontro con il Maestro d’arte Arnaldo Pauselli ha segnato il suo ufficiale ingresso nel mondo dell’arte, costellato di successi e soddisfazioni. Attraverso l’Associazione Culturale “NautArtis” di Gubbio, fondata da Pauselli, l’artista ha avuto l’opportunità di partecipare a mostre collettive e recentemente a giurie di Rassegne di carattere internazionale.

Le sue numerose opere sono state finora esposte a Roma, Milano, Gubbio, Costacciaro, Camogli, Santa Margherita Ligure, Genova, Riccione, Macerata, Yesi, Forlì, Fano ed altre città.

Nuovo appuntamento giovedì 21 maggio alla Triennale di Milano con le Lectio Magistralis di AFIP, cartellone di incontri con i più grandi esponenti italiani della fotografia. Titola L’occhio come mestiere la serie di riflessioni che in quest’occasione Cesare Colombo condivide con il pubblico, sollecitato nel dialogo da Giovanna Calvenzi: una scelta che richiama l’omonimo libro che lo stesso Colombo pubblicò, nel 1970, a quattro mani con Gianni Berengo Gardin.

Un volume importantissimo per ampliare il dibattito dalla fotografia pura e semplice alle molteplici e articolate declinazioni che la disciplina ha assunto in quella che a pieno titolo definiamo società dell’immagine; un concetto che ribadisce con forza la sua straordinaria modernità, a maggior ragione oggi, a fronte della democratizzazione della produzione e fruizione delle fotografie stesse.

Fotografo e photo-editor, ma anche pubblicitario ed esperto di comunicazione: nel corso della sua lunghissima carriera Colombo ha ricoperti ruoli diversi, rendendosi di fatto uno dei testimoni più autorevoli dell’evoluzione della filiera dell’immagine; un impegno trasversale, il suo, che lo avvicina pertanto a Calvenzi, lei stessa photo-editor, docente e curatrice, grande teorica della fotografia contemporanea.

Gli incontri, tutti a ingresso gratuito (fino a esaurimento posti), proseguiranno giovedì 4 giugno con Fabio Bucciarelli e Stefano Citati (Il Fotogiornalismo oggi: l'eredità classica e il digitale), giovedì 18 giugno con Gabriele Croppi e Mariateresa Cerretelli (La Metafisica del paesaggio urbano), giovedì 2 luglio con Gian Paolo Barbieri e Maurizio Rebuzzini (Eleganza naturale), e si chiuderanno giovedì 16 luglio con Giovanni Gastel e Giuseppe Di Piazza (La rinascita della fotografia).

L’iniziativa Lectio magistralis di fotografia e dintorni è promossa da AFIP International e CNA Professioni, realizzata in collaborazione con La Triennale di Milano, il Maxxi - Museo Nazionale delle Arti del XII secolo di Roma, GRIN (Gruppo Redattori Iconografici Nazionale), Milano Photofestival e con il contributo di Epson, Canon, Nikon.

Oltre a ciò, l’attività dell’AFIP International si concretizza con una serie di eventi, quali conferenze, mostre dove verranno segnalati gli eventi più interessanti e saranno discussi i temi e gli argomenti legati alla fotografia e alla professione.

L’AFIP nasce nel 1960 da un gruppo di fotografi e vede tra i primi associati Aldo Ballo, Davide Clari, Giancolombo, Mario Dainesi, Gianni Della Valle, Luciano Ferri, Gian Greguoli, Edoardo Mari, Paolo Monti, Alfredo Pratelli, Italo Pozzi, Gian Sinigaglia, Fedele Toscani e Roberto Zabban, col proposito di rinnovare tecnicamente e culturalmente il mestiere della fotografia, difendendo la libera professione, rivolgendosi soprattutto alla produzione industriale e pubblicitaria, alla moda, all’editoria.

Il nuovo direttivo dell’AFIP International è composto da Giovanni Gastel (presidente), Alfredo Pratelli (presidente onorario), Giuseppe Biancofiore (vicepresidente), Andreas Ikonomu (segretario), Sauro Sorana (tesoriere), Antonio Mecca (portavoce), Debora Barnaba, Silvia Bottino, Gianluca Cisternino, Roberto Ghislandi, Annalisa Mazzoli, Marirosa Toscani Ballo, Giovanni Mereghetti.

Cesare Colombo (1935)  è protagonista da più di cinquant’ anni nella fotografia, e in generale nella comunicazione visiva. Affianca al lavoro di ripresa (architettura, reportage per l’industria, illustrazione editoriale) un impegno di ricerca sulle immagini storiche.  Nelle sue foto è prevalente l’interesse per l’uomo, protagonista dinamico dell’inquadratura ma anche simbolo della condizione sociale odierna. Significativa è la sua antologia Milano veduta interna (Alinari, 1990, testi di Roberta Valtorta e Corrado Staiano). In seguito, un completo percorso attraverso le sue immagini viene raccolto nel fotolibro Life Size, Photos 1956-2006 Ed Imagna 2009 con testo di Giovanna Calvenzi  Nel 2012 è uscito un altro fotolibro sulla sua città Milano. Ingresso libero sempre curato da Giovanna Calvenzi nella collana della Fiaf “Grandi Autori della Fotografia Contemporanea “. Nel 2013 è uscito infine il libro Cesare Colombo, con Simona Guerra. La camera del tempo Ed. Contrasto  dedicato alla vita e all’ opera dell’ autore.
Come studioso dell’ immagine, oltre a molti saggi critici, Cesare Colombo nel 2004 ha curato per le Ed. Agorà l’ antologia Lo sguardo critico.Cultura e fotografia in Italia 1943-68. Come ricercatore ha prodotto mostre e fotolibri per editori ed enti pubblici, tra cui citiamo L’uomo a due ruote (1987); Tra sogno e bisogno e Occhio al cibo per Coop (1985 e 1990); Scritto con la luce per Electa (1987); La fabbrica di immagini per Alinari (1988); Un paese unico. Italia, fotografie 1900-2000,ancora per Alinari; Ferrania. Storie e figure di cinema e fotografia (De Agostini, 2004); AnniCinquanta. La Fotografia (Artificio-Skirà, 2005); Cento anni di imprese (Alinari / 24 Ore Cultura, 2010)

Giovanna Calvenzi si è laureata in Lettere nel 1973, ha insegnato storia della fotografia e linguaggio fotografico per undici anni e contemporaneamente ha collaborato con diversi periodici con testi sulla fotografia. Dal 1985 a oggi ha lavorato come photo editor per numerose testate. Dal 2012 è consulente per l’immagine per il gruppo Periodici San Paolo, a Milano. Insegna photo-editing presso il Centro di Formazione Professionale Riccardo Bauer di Milano. Ha collaborato alla realizzazione di mostre e libri fotografici e svolge un’intensa attività di ricerca sulla fotografia contemporanea. Nel 1998 è stata direttore artistico dei Rencontres Internationales de la Photographie di Arles e nel 2002 guest curator di PhotoEspaña a Madrid. Nel 2014 è stata "delegato artistico" del Mois de la Photo a Parigi.