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Lunedì, 25 Marzo 2019

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«È la giustizia l'idea che regge una città, ed è dalla giustizia che si dipanano le corde che tengono insieme un popolo: ma è una giustizia che guarda alla sapienza, a un ordine razionale della realtà». È questo il senso di una delle allegorie rappresentate negli affreschi di Ambrogio Lorenzetti riprodotti nella mostra "Cor Magis. Il cuore, l'opera, il bene di tutti. Siena A.D. 1337", in corso a Bari nel salone della Camera di commercio fino a venerdì. Stamattina la presentazione alla stampa da parte del presidente del Centro culturale di Bari, Costantino Esposito, e dai presidenti della Camera di commercio, Alessandro Ambrosi, e della Compagnia delle opere, Vincenzo Papa.

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Per Ambrosi, «il piacere e l'onore di ospitare questa mostra è legato alla convinzione che la cultura è parte integrante dell'economia: fare impresa non significa soltanto profitto, ricavo, utili, ma funzione sociale: in questo senso – ha sottolineato – la visione del Lorenzetti è in grande sintonia con il modo con cui vorremmo che si diffondesse la cultura d'impresa».

«Sull'onda del grande successo che questa mostra ha avuto a Rimini – ha detto Papa – abbiamo voluto che anche qui a Bari si potesse ammirare la bellezza di una rappresentazione degli affreschi del Buongoverno del Palazzo pubblico di Siena: l'iniziativa prende corpo all'interno di un percorso di lavoro che stiamo portando avanti con le imprese associate alla Compagnia delle opere, più di 35mila in Italia e in altri venti Paesi del mondo: il tema di quest'anno è "La tua opera è un bene comune"», l'opera, l'impresa come il compimento di se stessi».

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«Negli affreschi del Buongoverno – ha spiegato Esposito, professore di Storia della filosofia all'Università di Bari – la costruzione della città di Siena e la campagna circostante vengono rappresentate come effetto del buon governo, risultato dell'opera dell'uomo, perché già nella tradizione medievale la grandezza di un'opera era vista come possibilità di rendere visibile il bene a tutti». «In quegli anni – ha ricordato – Siena è stata al centro di una esplosione di bellezza, una bellezza che la città voleva condividere», tanto da far incidere sulle mura di cinta una frase (da cui è tratto il nome della mostra) che potrebbe tradursi con "Più che le porte, Siena ti apre il cuore". Diversamente da quanto si ritiene, «questi affreschi non sono l'autocelebrazione del potere di Siena in quegli anni – ha rimarcato il docente – ma anzi ribadiscono che c'è un orizzonte e un ordine superiori, che consentono la costruzione di una città».
«L'ultima parte dei dipinti – ha concluso Esposito – rappresenta l'allegoria del malgoverno: e da questa rappresentazione il popolo sparisce, perché i criteri di una società governata male derivano da chi detiene il potere, dal tiranno, e non da giustizia e sapienza che invece tengono insieme un popolo».

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La mostra resterà aperta fino all'11 marzo. Visite guidate: dalle 9 alle 11 e dalle 15 alle 19.

Edward Burne-Jones, St. George,1894

 

La Galleria Nazionale d’Arte Moderna ha in corso una importante mostra dedicata al rapporto di fascinazione fra l’arte inglese del XIX secolo e la cultura artistica italiana, dal “gusto dei primitivi” al pieno Cinquecento,  partendo dai paesaggi di ispirazione italiana di William Turner, attraverso gli studi di John Ruskin su cicli pittorici, monumenti e architetture.

A distanza di 25 anni dalla fortunata retrospettiva dedicata a Burne-Jones, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna torna con una grande mostra sull’arte inglese del secondo Ottocento in cui sono esposte più di 100 opere, provenienti da prestatori privati e musei internazionali, molte delle quali per la prima volta in Italia.

Il nucleo principale della rassegna comprende i preraffaelliti Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, William Morris e indaga la particolare declinazione del classicismo nell’ambito della Royal Academy operata da artisti come Frederic Leighton e da rappresentanti della cultura estetica e simbolista come Albert Moore , George F. Watts e John William Waterhouse.

Un aspetto particolarmente significativo dell’esposizione verte sul rapporto tra le opere inglesi e i prototipi italiani che ne hanno costituito il modello iconografico e la suggestione formale: sono esposti dipinti di Giotto, Crivelli, Carpaccio, Botticelli, Sebastiano del Piombo, Palma il Vecchio, Bergognone, Luini, Tiziano, Veronese, Tintoretto – a testimoniare, pure nella diversità di clima culturale, la loro incidenza in area inglese. Ciò consente anche di evidenziare singolari letture critiche, suscettibili di continue evoluzioni nel corso del secolo, come la predilezione di Ruskin per Luini, anche rispetto a Leonardo, e il suo rifiuto di Michelangelo, pure destinato ad avere una rilevante influenza in ambito tardo preraffaellita e simbolista.

DG Rossetti, Sancta Lilias

 

La passione per l’Italia ha un complesso fondamento critico negli  scritti di Ruskin, nelle originali letture del nostro Rinascimento ad opera di Swinburne, insieme ai saggi di Walter Pater su Giorgione, Botticelli, Michelangelo e Leonardo, testi che hanno inciso profondamente nel diffondersi di un preciso orientamento su uno stretto cenacolo di letterati, artisti, critici e committenti.

Altrettanto importante è, infatti, il forte incremento in Inghilterra, fin dall’inizio del secolo, di un collezionismo pubblico e privato di arte italiana, che confluirà  nella formazione del primo nucleo della National Gallery (1834), costituito da importanti acquisti provenienti dalla dispersione di patrimoni prevalentemente aristocratici del nostro paese.

Una sala della mostra è dedicata alla diffusione del “gusto dei primitivi” italiani, documentato attraverso una selezione di cromolitografie della popolarissima Arundel Society, di  incisioni di Carlo Lasinio  dagli affreschi del celebratissimo Camposanto di Pisa e da incisioni di William Young Ottley ispirate agli ‘Old Masters’ della scuola fiorentina.

DG Rossetti, Venus Verticordia

 

A chiusura dell’esposizione viene presentata una sezione di artisti italiani – Nino Costa, Giulio Aristide Sartorio, Adolfo De Carolis, Gaetano Previati - che negli ultimi decenni del XIX secolo, proprio attraverso la scoperta dei “preraffaelliti” inglesi, recuperano la tradizione artistica del Rinascimento come  matrice culturale ed ideologica dell’identità italiana.

La mostra è curata da Maria Teresa Benedetti, Stefania Frezzotti, Robert Upstone.

Il catalogo Electa raccoglie, oltre ai saggi dei curatori, i contributi di Maria Vittoria Marini Clarelli, Stephen Wildman, Mark Bills, Silvia Danesi Squarzina, Marisa Volpi, Claudia La Malfa, Giorgio Marini, Francesca Bonetti, ed è corredato da schede scientifiche ampiamente documentate delle singole opere  curate da Stella Bottai e Matteo Piccioni


Informazioni tecniche

Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna

24 febbraio- 12 giugno 2011

 

 

Sede Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea

Viale delle Belle Arti 131, Roma

Ingresso per disabili: via Gramsci 73

 

Orari di apertura martedì - domenica dalle 8.30 alle 19.30

(la biglietteria chiude alle 18.45)

Chiusura il lunedì

 

Biglietti Intero 10 euro, ridotto 8 euro

Ridotto per i cittadini UE fra i 18 e 25 anni

Gratuità per i cittadini UE sotto i 18 e over 65 anni

Ai visitatori di Stati non facenti parte dell’UE si applicano

le disposizioni sull’ingresso gratuito a condizione di reciprocità

Giovanni Fattori, Garibaldi a Palermo, 1860

 

Una mostra intorno ad un capolavoro. La propone dal 22 gennaio al 13 marzo il Centro Matteucci per l’Arte Moderna nella sede di Viareggio.

Il capolavoro è il celebrato Garibaldi a Palermo dipinto intono al 1860, quindi quasi in presa diretta con l’evento raccontato da Giovanni Fattori.

Il grande olio è una delle raffigurazioni più famose sul tema dell’Epopea dei Mille e di certo è la più “cinematografica” fra esse.
E’ del resto documentato come grandi registi quali Blasetti e Visconti si siano rifatti alle inquadrature di Fattori e a questa specifica opera per grandi film, da 1860 a Senso a Il Gattopardo, opere cult della cinematografia risorgimentale. Per entrambi si è rivelato determinante lo studio del linguaggio figurativo, oltre che narrativo di Fattori, l’artista, tra i Macchiaioli, più dotato di vena creativa e insuperabile nel trasfondere nelle scene militari lo spirito e le attese di un’Italia prossima a divenire Nazione.

La scelta dei curatori - Giuliano Matteucci, Francesca Panconi e Roberto Viale - non si è risolta in una semplice e scontata mostra sul Risorgimento, bensì in quello che, data l’unicità dell’opera, potrebbe esse definito un vero e proprio dossier storico-pittorico.

E’ il caso di parlare, insomma, di un capolavoro che, dopo essere stato recentemente esposto al Musée d’Orsay di Parigi in occasione della grande mostra Voir l’Italie et mourir (2009), viene ora messo sotto la lente per essere da ciascuno interpretato secondo la propria ottica e sensibilità. Contestualizzato nel susseguirsi dei principali fatti d’arme e episodi artistici all’origine dell’idea: l’arrivo delle truppe di Napoleone III a Firenze, fissate da Fattori nei primi studi dal vero, il sentimento popolare che animò i fiorentini nei giorni della cacciata del Granduca Leopoldo, il fervore patriottico dei Macchiaioli nello schierarsi tra le file dei volontari, le grandi battaglie della Madonna della Scoperta e di Palestro e gli scontri dei Mille in Sicilia .

Il Garibaldi è affiancato, nella mostra viareggina, da una serie di opere di Borrani, Buonamici, Bechi e dello stesso Fattori. Opere che, strettamente correlate e scaturite da una comune cultura figurativa, invitano a riflettere su come la strada verso la modernità battuta da quella generazione d’artisti sia tratteggiata di spaccati di profonda umanità.

Il rapporto cinema-pittura è cosa nota. Ripetutamente citato dalla critica come esempio paradigmatico di trasposizione pittorico-filmica è, come si accennava, proprio il Garibaldi a Palermo, dipinto dal livornese quando andava esemplando il lessico su un personalissimo archetipo iconografico.
Riscoperto alla metà del secolo scorso dopo anni di oblio, lo si può considerare punto cruciale della maturazione dell’artista, un’icona in quel genere di rappresentazioni emotive ove, prendendo a pretesto i grandi eventi bellici nei quali “il grido di dolore” dei soldati italiani si era elevato più alto e più forte, egli, a suo modo, se ne fa portavoce, tramandandone la memoria in immagini di straordinaria intensità. Incentrato su uno degli episodi cruenti della campagna di Garibaldi in Sicilia, al di là di ogni retorica, documenta il momento in cui le truppe con le camicie rosse sono impegnate il 27 maggio negli scontri all’ingresso di Palermo nei pressi Porta Termini, oggi Porta Nuova. Tagliata sullo sfondo, se ne riconosce la massiccia linea architettonica avvolta nei fumi degli spari e circondata dalle macerie, mentre, alla destra, si distingue netta la sagoma del Generale, attorniata, probabilmente, da quelle dei collaboratori Bixio, La Masa, Turr e Nullo.
Ed è con l’intento di far conoscere questa pietra miliare della partecipazione emotiva dei Macchiaioli alla causa italiana e del sentimento intimo e profondo che ha corroborato l’opera di uno dei suoi maggiori protagonisti espresso, in questo caso, oltre che con la nuova tecnica della “macchia”, attraverso inquadrature di un dinamismo e di un taglio, si potrebbe dire, cinematografico, che il Centro Matteucci per l’Arte Moderna presenterà nei propri spazi espositivi Garibaldi a Palermo. Una memorabile pagina del Risorgimento nel capolavoro di Fattori.

Edvard Munch Sogno di una notte d’estate. La voce, 1893 olio su tela, cm 88 x 108.

Nel suo progetto pluriennale dedicato alle Geografie dell’Europa, e dopo la prima tappa costituita dalla rassegna che indagava le relazioni tra la pittura francese della seconda metà del XIX secolo e la contemporanea pittura nella nazioni del centro ed est Europa, Villa Manin propone il suo secondo importante appuntamento. Per un progetto, nella sua interezza, volto a studiare alcune delle maggiori evidenze della pittura europea tra la metà del XIX secolo e il primo decennio di quello successivo.
Munch e lo spirito del Nord. Scandinavia nel secondo Ottocento vuole, per la prima volta in Italia, costruire il racconto di una storia che identifichi appunto lo spirito del Nord con la pittura in Norvegia, Svezia, Finlandia e Danimarca. Specialmente dedicata al paesaggio, ma ben raccolta anche attorno al tema del ritratto e della figura, la mostra, composta di circa 120 dipinti provenienti specialmente dai musei scandinavi ma anche da alcuni altri musei sia europei che americani, si divide in cinque sezioni. Le prime quattro riservate alle scuole nazionali di quegli Stati, mentre la sezione di chiusura viene dedicata a Edvard Munch, con 35 opere in totale. Dunque una sorta di grande mostra nella mostra, prendendo in considerazione gli anni suoi di esordio vicini alla pittura dell’artista norvegese Christian Krohg già a partire dal 1881-1883 e poi i due decenni – l’ultimo del XIX secolo e il primo del XX – che ne hanno decretato l’universale fama e hanno creato quella sorta di sigla munchiana che caratterizza e sigilla quel darsi allo spazio interminabile del Nord così come è accaduto anche in letteratura.
Ma riandando alle scuole nazionali prima di Munch, alcuni dipinti a evidenziare, prima dello scavalcamento di metà secolo, la situazione della cosiddetta Golden Age in Danimarca, con le opere tra l’altro di Lundbye e P.C. Skovgaard. Così come in Norvegia una breve introduzione è riservata a Dahl, Balke e Gude; in Svezia a Larson, Berg e Wahlberg e in Finlandia a von Wright e Holmberg. Così da indicare, appunto attorno alla metà dell’Ottocento, il senso di una scoperta del vero naturale, che si affranca dalla nozione di paesaggio ancora post-settecentesco che, a parte alcuni casi di straordinaria qualità da Friedrich a Turner, rende non dissimili le varie nazioni europee in quella prima parte di secolo.
Poi la mostra prende il suo corso solenne, e così nuovo per l’Italia, dentro la seconda metà del XIX secolo, attenta a individuare attraverso la scelta dei dipinti quello sguardo che ha fatto del Nord un luogo non soltanto fisico ma anche dell’anima. E che quindi non può che trovare in Munch il suo logico e imprescindibile punto d’arrivo. Ma prima la schiettezza, la luminosità, il silenzio e il fragore del paesaggio nordico sono interpretazione che talvolta vira verso una problematicità che fa dei luoghi naturali un sentimento arcano e quasi primordiale. Questo senso del tempo fondo, la chiarità delle estati, la profondità delle notti invernali, il velluto del muschio dell’erba, il bianco dei fiori sotto il bianco delle lune estive, è quello che l’esposizione intende mostrare al pubblico italiano. Ovviamente grazie alla generosità dei principali musei di Norvegia, Svezia, Finlandia e Danimarca, che con larghi prestiti hanno consentito di poter tracciare un panorama del tutto esaustivo di una vicenda pittorica che da alcuni anni non cessa di affascinare, attraverso alcune mostre sia in America che in Europa, il più vasto pubblico degli appassionati. E in questo senso strumento imprescindibile sarà il catalogo di studio, al quale hanno collaborato i maggiori studiosi di quelle nazioni.
Ovviamente la mostra non fa mancare alcuno dei principali protagonisti, a cominciare, in Danimarca, da Ring, Philipsen, Syberg, Gottschalk e soprattutto Hammershøi. A quest’ultimo, la cui vicenda straordinaria venne definitivamente scoperta alcuni anni or sono grazie a una fortunata mostra parigina, è dedicata un’intera sala, comprendente alcuni paesaggi ma soprattutto i fascinosi interni. Per la prima volta esposte in Italia, le opere di Hammershøi stanno all’apice, tra fine Ottocento e primi anni del secolo successivo, di un percorso che nasce nella luce di cenere degli interni olandesi seicenteschi, ma che tutto trasforma entro la misura di grigi infiniti, che talvolta virano sugli azzurri pallidi. Dando il senso della solitudine di figure che in quegli spazi non si muovono ma restano sospese, come il tempo potesse effettivamente bloccarsi una volta per sempre. E non tornare più. 

2.Edvard Munch Melancolia, 1894-1896

Edvard Munch Melanconia, 1894-1896.


Per proseguire tra gli altri, in Norvegia, con Nielsen, Backer, Thaulow, Krohg, Skredsvig; e poi Larrsson, Nordström, Zorn, Jansson, Prince Eugen, Strindberg in Svezia; Edelfelt, Gallen-Kallela, Järnefelt, Churberg, Halonen, Thesleff in Finlandia. Con quelle caratteristiche pittoriche che mettono sempre al centro l’immagine dell’uomo nel grande spazio della natura incontaminata e quasi immisurabile. Entro quel gioco che fa vicini il sentimento romantico e un certo gusto simbolista, come per esempio è bene evidente nel grande artista finlandese Akseli Gallen-Kallela.
La parte finale dedicata a Munch, dove anche una decina di opere su carta costituisce il necessario contrappunto all’opera pittorica, tocca il suo senso più alto nella scelta che dei dipinti è stata compiuta, per essere messi, quei dipinti, in relazione con i pittori scandinavi che Munch precedono. E insomma per costituire, nel loro insieme, quel grande coro tra natura e problematicità della stessa che danno infine il senso vero e compiuto di questa mostra e fanno della Scandinavia una terra che è luce e notte insieme. Il massimo della luce e il massimo della notte.

 

Villa Manin, Passariano di Codroipo (Udine)
25 settembre 2010 - 6 marzo 2011

«Massimo Cacciari non è tra gli intellettuali chiamati a scegliere gli artisti per la prossima Biennale Arte».

Lo dice Vittorio Sgarbi rispondendo così all’ex sindaco di Venezia che in una lettera a un quotidiano dice di avere rinunciato a una presunta proposta.

«Cacciari – aggiunge Sgarbi – rinuncia a una cosa che non gli è mai stata proposta. E’ stato un errore di stampa commesso da un mio collaboratore»

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